Als Jennifer Rostock 2018 vorerst von der Bildfläche verschwanden, hinterließen sie eine Lücke, die bis heute niemand so richtig schließen konnte. Vielleicht, weil diese Band schon immer mehr war als die Summe ihrer musikalischen Einzelteile. Zwischen Rock, Pop, Punk, Elektro, Indie, NDW und Rap bauten Jennifer Rostock einen Sound, der Grenzen so selbstverständlich eingerissen hat, als wären sie nie da gewesen. Vor allem aber stand diese Band immer für Haltung. Nicht als Accessoire. Sondern als Selbstverständlichkeit. Große Fresse – und eben auch etwas dahinter.

Sechs Studioalben, zwei Live-Alben, eine EP. Insgesamt neun Releases in elf Jahren. Die letzten sechs davon landeten allesamt in den Top 10 der deutschen Charts, fünf sogar in den Top 5. Hunderte Konzerte, Festivalnächte, Moshpits, Glitzer, Schweiß, politische Statements, Eskalation und Euphorie. Jennifer Rostock waren die Band, zu der man sich gefunden hat. In deren Musik man sich verloren hat. Oft beides an einem Abend.

Und mittendrin: Jennifer Weist und Joe Walter. Das konstante Zentrum einer Band, die sich immer bewegt hat. Die beiden kennen sich seit dem Kindergarten, machen seit ihrem zwölften Lebensjahr zusammen Musik. Auch wenn sich über die Jahre vieles geändert hat und Projekte kamen und gingen, blieb ihre kreative Verbindung bestehen – als musikalischer Maschinenraum der Band. Jennifer Rostock entstanden über Jahrzehnte gemeinsamer Geschichte, gemeinsamer Referenzen und einer künstlerischen Sprache, die sich über die Jahre nicht abgenutzt, sondern geschärft hat.

Dass die Band jetzt zurückkommt, wirkt deshalb weniger wie ein Comeback als wie eine Fortsetzung. Eine, die vielleicht genau jetzt passieren musste. Denn der gesellschaftliche Ton ist rauer geworden. Rechtsruck, Queer-Feindlichkeit, Misogynie, digitale Dauerempörung, politische Müdigkeit – all das bildet den Hintergrund einer Gegenwart, die wieder nach klaren Stimmen verlangt.

Jennifer Rostock waren nie besonders gut darin, den Mund zu halten. Zum Glück. Ihre Songs waren immer dann am stärksten, wenn sie Reibung erzeugten: zwischen Leichtigkeit und Wut, zwischen Pop-Appeal und Protest, zwischen scharfem Humor und echtem Schmerz. Und vielleicht braucht es gerade wieder genau diese Art von Band. Eine, die Dinge beim Namen nennt, ohne dabei den Spaß zu vergessen. Eine, die Menschen mitreißt und zusammenschweißt. Eine, die daran erinnert, dass die Zukunft nicht aus Angst, sondern aus Mut gebaut wird.

Jennifer Rostock kehren nicht zurück, um ihre eigene Vergangenheit zu verwalten. Sie haben so viel Neues zu erzählen. Neue Gründe, laut zu werden. So vieles, das raus muss. Und genau deshalb sind sie wieder da. Mit mehr Erfahrung, mehr Narben, mehr Klarheit – aber immer noch mit derselben Lust an Widerspruch, Haltung und Eskalation. Jennifer Rostock kommen zurück, weil sie noch immer daran glauben, dass Musik Menschen bewegen kann. Dass man gemeinsam etwas verändern kann.

Die Pause ist vorbei.

Their sound, which has attracted new fans by the thousands in the past few years, is a unique mélange of Sammy’s influences: classic rock, folk and funk and sprinkled with soul and jazz. Rae has been building toward this moment since moving to NYC from Connecticut in her early 20s. Finding herself without a built-in peer group, she simply built it herself: the literal and proverbial Friends. When she started playing shows, she made sure the audience was part of the family too. Everything that’s happened since – from EP’s „The Good Life“ (2018) and „Let’s Throw a Party“ (2021) to sold-out shows in major markets and secondary markets alike across North American and the UK & Europe, to high-profile festival sets around the world, including Bonnaroo’s main stage, Sound on Sound, All Things Go, and more – has been based on friends telling friends.

After the release of their debut album „Something For Everybody“ in 2024, Sammy Rae & The Friends have come to represent more than just a band: they are a full-on movement being adopted with refreshingly diverse clientele. Sammy Rae and the Friends new single „You Just Wanna Get With My Friend“ and “Boogie All By Yourself” are out now!

The title la forteresse had lived with her for years, an image that is both protective and confining. The metaphor deepened during her research for Peau d’homme, the film adaptation of Hubert and Zanzim’s graphic novel, in which she plays Blanche, a young woman who disguises herself as a man. While working on this film, for which she also contributed songs to the soundtrack arranged by Bryce Dessner (The National), she kept two parallel journals: her own, and that of her character.

Genesis and places of creation
Unlike her earlier albums (failles, an exploration of hypersensitivity, and consolation, which drew on guiding female figures), la forteresse took shape gradually and across continents: on tour, during a residency at Kyoto’s Villa Kujoyama, in sessions at Aaron Dessner’s studio in upstate New York, and over several productive days at Château de la Haute-Borde in France, an artist residency run entirely by women.

Narrative structure
The record unfolds in four chapters: childhood, love and trauma, crossing the wall, and finally emerging on the other side, into the present. These are narrated through the lens of a fictional half-human, half-bat creature, taken in by humans long ago and confined for centuries within a fortress, until she decides to break through its walls. Her nature is left deliberately ambiguous, so listeners can project their own experience onto her.

Influences
Pomme immersed herself in medieval imagery, illuminated manuscripts and mythology, the paintings of Hieronymus Bosch, the musicals of Jacques Demy and Michel Legrand, the live performances of La Horde and Peeping Tom, and the dreamlike cinema of Hayao Miyazaki. Musically, she cites influences as varied as Björk’s Vespertine, Sufjan Stevens‘ Carrie & Lowell, Feist’s Pleasure and Kate Bush’s Never for Ever — records united by artists fully devoted to ambitious, expansive work that still speaks to everyone.

Sound and recording
True to her style, Pomme never opposes the organic to the synthetic, or restraint to lyricism. Songs like „catherine“ or „sans nous“ are rooted in pure folk (the album was long imagined as a simple piano-and-voice record), while others open into lush orchestral arrangements. Live recording remained central throughout, with the musicians performing together in the same room at Studios de la Fabrique in the south of France, a studio that has also welcomed Nick Cave, Arthur H and Radiohead.

Themes
Pomme addresses personal and societal subjects without filter: „ça fait dix ans“ confronts the violence she experienced early in the music industry; „seule dans la foule“ explores the loneliness of the perpetual outsider; „trou noir“ captures the exhaustion behind constant activity; „trente“ reflects on turning thirty; „lumière bleue“ imagines a future shaped by the climate crisis; and „un château dans les bois“ questions contemporary models of love.

Hudson Freemans Karriere als Musiker versteht sich gewissermaßen als Coming-of-Age-Geschichte seines Lebens. Geprägt von einem Umzug aus Dallas in das Königreich Eswatini im Alter von 13 Jahren hat Hudson Freeman viele Musikkulturen entdeckt und am College in Missouri zu einem einzigartigen Sound entwickelt. Beeinflusst von Sufjan Stevens, Pedro the Lion, Weed (ehemals Hotline TNT) und Bon Iver debütierte er 2015 mit seiner EP „A Man, One Day“, die er in DIY-Manier auf dem Campus seines Colleges verteilte. 2018 folgte seine zweite EP „Winter Pack“, die ihn mit dem Track „Warm Me, Winter“ erstmals ins Spotlight rückte. Nach der EP „Winter Pack 2“ (2019) ließ er sein Debütalbum „I Don’t Know“ sowie ein Livealbum folgen. 2021 veröffentlichte Freeman sein zweites Studioalbum „I Am All the Ages I’ve Ever Been“ und fand mit dem Begriff „Lo-Fi-Folk“ eine Stilisierung, die den Beginn eines neuen Kapitels markierte. 2023 veröffentlichte der Musiker seine EP „Killing Time“, worauf die Single „I’m Most Me“ zu einem weiteren Fanfavoriten des Artists wurde. Nach drei weiteren Singles als Vorgeschmack auf sein drittes Album erschien im Mai 2025 „is a Folk Artist“, noch bevor seine Demo des Songs „If You Know Me“ viral ging. Seit Veröffentlichung dieser Single zählt Hudson Freeman zweifelsfrei zu den spannendsten Namen der 2010er-Americana-Nostalgie, die er mühelos um eigene Einflüsse erweitert. So auch auf seiner aktuellen „l-40“, die Mitte August erschien und Hudson Freemans Lo-Fi-Folk-Vision mit Grunge-Gitarren und verwaschenen Shoegaze-Einflüssen weiterführte.

James Marriotts Karriere begann im Alter von 11 Jahren auf YouTube, wo er zunächst verschiedenen Content zwischen Comedy, Musik und Reactions postete. Beeinflusst von Bands wie Two Door Cinema Club, The Strokes oder Sam Fender schraubte er parallel an seinem eigenen Indie-Rock-Sound und veröffentlichte 2020 seinen ersten Song. Nachdem seine zweite Single „Him“ zu einem Erfolg wurde, debütierte James Marriott 2021 mit der EP „No Left Brain“. 2022 folgte die zweite EP „Bitter Tongues“, die ihn in die Top 10 der britischen Indie-Charts brachte und die Songs „Sleeping On Trains“, „Car Lights“ sowie „Grapes“ als Fanfavoriten etablierte. 2023 veröffentlichte er sein Debütalbum „Are We There Yet?“ mit Songs wie „Don’t Blame Me“ oder „Romanticise This“ und landete damit auf Platz 17 der britischen Albumcharts. Mit „Don’t Tell the Dog“ legte James Marriott 2025 sein zweites Album nach und räumte den ersten Platz der britischen Albumcharts ab, während Singles wie „I Don’t Want To Live Like This“ und „Something’s Wrong“ zu weiteren Erfolgstracks des Künstlers avancierten. 2026 gelang James Marriott mit dem Song „California Rain“ seine erste Top-40-Single, die seine internationale Bekanntheit weiter ausbaute. Auf der aktuellen Single „Burn Down The Disco“ widmet sich James Marriott einem treibenden Beat, einer eingängigen Hook sowie rockigen Indie-Gitarren und deutet auf den Sound seines dritten Studioalbums. „Warning Signs“ wird am 27. Januar erscheinen und führt James Marriott anschließend auf seine große World Tour 2027.